«revolving door», Christine Zufferey 2011

«random access memory (zurückführen auf das Unbekannte)», Christine Zufferey 2011
(aus der gleichnamigen Fotoserie, 2010/2011 (fortlaufend); PDF 1.2 MB)

«random access memory (zurückführen auf das Unbekannte)», Christine Zufferey 2011
Installationsansicht

«random access memory (zurückführen auf das Unbekannte)», Christine Zufferey 2011
Installationsansicht (Rückseite)

Zürich dehnt sich in Richtung Westen aus: Diverse in die Höhe spriessende Gebäude
wandeln das Stadtbild rasant. Die Konsequenz dieser Veränderungen sind zahlreiche
Baustellen, die lebendige Produktionsstätten darstellen. Sie entwickeln sich, wachsen
stetig und bieten Raum für vielfältige Möglichkeiten. Mittels der Ausstellung "Tearing
Down, Building Up" soll sowohl die tatsächliche als auch die metaphorische Barriere der
Baustelle aufgebrochen werden.

Gerahmt wird das Ausstellungsprogramm von zwei Veranstaltungen. Am Samstag den
12. November findet eine Vorführung mit zwei Filmen im Kino Xenix in Zürich statt.
Gezeigt werden "Blight" (UK, 1996, 11 min) des britischen Künstlers John Smith sowie
"En Construcción" (E, 2001, 125 min) des spanischen Regisseurs José Luis Guerín.

"Tearing Down, Building Up" wird finanziell unterstützt durch Kultur Stadt Zürich und
Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung.

Corner College, Kochstrasse 1, 8004 Zürich
Öffnungszeiten: Do-Fr 13-19 Uhr, Sa 13-19 Uhr

«Fiktion / Fiction», Kunst im öffentlichen Raum, Heuwaage Basel

«Fiktion / Fiction», Kunst im öffentlichen Raum, Heuwaage Basel

«Fiktion / Fiction», Kunst im öffentlichen Raum, Heuwaage Basel; Aufbau Mai / Juni 2010

«Fiktion / Fiction», Kunst im öffentlichen Raum, Heuwaage Basel (Fotomontage 2009)

Eine horizontale Uhr ohne Zifferblatt, und somit ohne Referenzpunkt, ist orientierungslos.
«Fiktion / Fiction» - Zeit als Konstrukt - stellt Fragen nach Wahrnehmung und Relativität von Zeit, nach Orientierung.



Hintergrund

Die goldenen Schwertzeiger einer (Kirchturm-) Uhr werden ‚gesampelt‘ und auf die ungenutzte Unterseite der
funktionalen Betonarchitektur eines Strassenviaduktes gebracht. Ein hybrides Gebilde entsteht, oszillierend
zwischen ornamentalem, historischem Design und funktionaler, nüchterner Sichtbetonarchitektur (welche in
diesem Zusammenhang auch als modernistische, fast brutalistische Architektur gelesen werden kann). Dieses
Mixen unterschiedlicher Sprachen reflektiert auch eine (schweizerische) Realität; das Nebeneinander von
historischer und zeitgenössischer Architektur.

Die Uhrzeiger in „Fiktion / Fiction“ zeigen die Realzeit an. Der Eingriff ist minimal und beschränkt sich auf die
horizontale Lage der Uhrzeiger, das Fehlen eines Zifferblattes und eine kontextuelle Verschiebung des
Instrumentes Uhr.

„Fiktion / Fiction“ eröffnet eine breite Palette von möglichen Assoziationsebenen (gleichsam auf dem Raster
der Zeitachse);


Vergangenheit
Geschichtliche Aspekte der Wahrnehmung und des Messens von Zeit klingen an; die Beobachtung der Himmels-
gestirne zur Einteilung des Tagesverlaufes im Altertum (Zeitbestimmung als interpretatorischer Vorgang des
Beobachtens von realen Vorgängen), oder die historische Dominanz der Kirchturmuhr (Religion) als Referenz-
punkt in der Ordnung von Zeit.

Gegenwart
Reflexion über die heutige Zeit als eine von Orientierungslosigkeit geprägte Zeit. Gewissheitsdefizit. Geschäftig-
keit ohne Ausrichtung, konstante Aktion/Bewegung ohne Ziel. Ein Kommentar zu den treibenden Kräften heutiger
Gesellschaft.
Halbwertszeiten städtebaulicher Visionen und Konzepte.

Zukunft / Spekulation / Fiktion
Das Verständnis, bzw. die Darstellung und Messung von Zeit sind einem ständigen Wandel unterworfen, abhängig
von Wissenstand und dem Stand technischer Entwicklung. Aus dieser Perspektive könnte man das Konzept der
Räderuhr als grundlegend ‚fiktionales‘ Konzept deklarieren, abhängig von Wissensstand, Technik und Blickwinkel
der Zeit, in welcher sie entwickelt wurde. Geschichtlich gesehen ist es interessant, dass die ersten mechanischen
Räderuhren im Mittelalter (Anfang 14. Jh) entwickelt wurden, also zurückgehen in eine Zeit, in der die Erde noch
als Mittelpunkt des Universums gesehen wurde. Interessant wäre die Frage, ob das Konzept der Uhr grundlegend
anders ausgesehen hätte, wenn die Uhr beispielsweise vor dem Hintergrund eines heliozentrischen Weltbildes
entwickelt worden wäre. Dieser Ansatz eröffnet ein Feld von Spekulationen über mögliche alternative Konzepte
von Zeitmessung und deren Auswirkung auf den Lebensalltag. Einsteins Relativitätstheorie, weitergesponnen in
Zukunftsvorstellungen/-modellen, Visionen und Spekulationen, bis hin zu eigentlicher ‚science fiction‘ /
futuristischen Ideen.


Das Projekt „Fiktion / Fiction“ funktioniert als Versuchsanordnung, als Gedankenexperiment, welches sich auf die
Lektüre des Ortes und des öffentlichen Raumes auswirkt. Der öffentliche Raum ist dabei wichtiger Mitspieler;
ohne den öffentlichen Raum, die spezifische örtliche Gegebenheit, ist das Projekt „Fiktion / Fiction“ nicht existent.
Die öffentliche Uhr als Element aus dem Vokabular des (städtischen) öffentlichen Raumes wird ‚gesampelt‘ und
erhält durch eine subtile Manipulation ganz neue Deutungsebenen.

„Fiktion / Fiction“ wirkt als Stolpermoment, als Moment der Verunsicherung im alltäglichen Ablauf. Längerfristig
kann diese Verunsicherung mittels Übersetzungsarbeit wieder interpretiert werden; „Fiktion / Fiction“ kann nach
einer gewissen Zeit auch wieder als klassische Uhr gelesen werden, wobei das gesamte Umfeld potentiell als
Referenzpunkt (Zifferblatt) dienen kann. Das Verhältnis von PassantInnen zur Uhr wird sich mit der Zeit verändern,
abhängig davon, wer die Uhr wahrnimmt und wie oft man ihr begegnet. Das ‚Lesen‘ der Uhr wird wieder zum
Übersetzungsprozess (das ‚Ableiten‘ der Zeit vom Umfeld). Die Uhr wird plötzlich als (Mess-) Instrument, als
kinetisches Objekt wahrgenommen.

„Fiktion / Fiction“ bietet eine Art Parallelwelt an, angesiedelt in einem ambivalenten Bereich zwischen Realität
und Fiktion, in welche eingestiegen werden kann. Verschiedene Spielmöglichkeiten der Vorstellung werden
angetippt, bis hin zum Extremfall; die Realität gedanklich zu kippen, bis die Uhr ‚richtig‘ funktioniert und das
Heuwaage-Viadukt zu einer Art monumentalen modernistischen Architektur wird.


Technische Angaben

Horizontale Grossuhr ohne Zifferblatt, ø 2.7 Meter. Vergoldete, schwertförmige Uhrzeiger, Motorzeigertriebwerk,
separate Funkuhr. Der Minutenzeiger bewegt sich in Minutenschritten. Die Uhr zeigt die Realzeit an.

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"Verästelung der Klarheit"

Projekteingabe Wettbewerb Kunst und Bau, Bezirksgebäude Dietikon
Christine Zufferey, 2009


Stimmung / Idee

Das Bezirksgebäude Dietikon steht in seiner klaren, markanten Architektur als zeichenhafter Monolith repräsentativ am Bahnhofsplatz.

Betritt man das Gebäude, zeigt sich nach Innen eine komplexe Verästelung der Klarheit; der Besucher betritt förmlich (physisch) ein komplexes Raster.
Integriert in das Gebäude weist der Boden eine komplizierte Verlegestruktur auf. Hauptsächlich helle, grosse Kalksteinplatten sind in einer Ordnung verlegt,
welche nicht auf den ersten Blick nachvollziehbar scheint, geordnet und doch fast chaotisch wirkend, jedoch aus zwei einfachen Grundformen bestehend.
Einzelne, z.T. zufällig wirkende Formen sind in dunklerem Kalkstein hervorgehoben.

Begibt man sich weiter ins Innere des Gebäudes, begegnet man in den Vorhallen der Gerichtssäle dem selben Boden wieder. Einzelne zufällig wirkende
Formen sind anfänglich dunkel hervorgehoben, vor den Eingängen zu den Gerichtssälen, zwischen den beiden Anwaltsräumen, klärt sich die Struktur,
das Muster verdichtet sich zu einem symmetrisch angelegten Zentrum.

Bewegt man sich weiter ins Gebäude hinein, zeigt sich dem Blick im Innenhof, dem eigentlichen Herzen des Gebäudes, eine eigenartige Konstellation von
unterschiedlichen Elementen. Ein Holzsteg führt in einem willkürlich, ungeordnet, fast zufällig wirkenden Verlauf - welchem aber doch ein unsichtbares klares
Prinzip zu Grunde zu liegen scheint - durch die gesamte Länge des Innenhofes. Der Steg bewegt sich durch ein aus Kies und wilden, moosigen Pflanzen
bestehendes Feld. Bei genauem Hinsehen fallen eigenartige Objekte auf, welche ‚am Wegrand‘ liegen; ein Fliegenpilz mit einem roten Hut, eine Art Affenkopf,
und weit hinten ein Meteorit.

Dieser ‚mentale Weg‘ führt durch unkontrolliert wirkendes, wild wachsendes Gelände. Er birgt Begegnungen mit archetypischen, eigenwillig und fremdartig
erscheinenden Objekten.

Hintergrund

Die Klarheit der Architektur ästelt sich nach Innen auf; integriert in das Gebäude ist der Boden Träger eines komplexen Musters und bildet - als Bestandteil
des Gebäudes - eine Art Gegenpol zur Klarheit der äusseren Form der Architektur. Das Innenleben des Gebäudes enthält in seiner Komplexität ein Spannungs-
verhältnis von zwei unterschiedlichen Zuständen; Ordnung und Chaos.

Die Organisation von Gemeinschaft, die moderne Gesellschaft, basiert aus meiner Sicht auf ähnlichen Grundbausteinen; sie versucht, eine Balance zu
finden zwischen individueller Freiheit, einer Art ‚Unkontrolliertheit‘, und ordnender Struktur. Das Funktionieren des Systems Gesellschaft basiert auf Prinzipien
und Regeln, wobei dem Gesetz eine ordnende Rolle zukommt. Diese ordnende Rolle des Gesetzes muss immer in Wechselwirkung und Rücksprache mit der
individuellen Realität stehen. Das Gesetz stellt also gleichzeitig eine Struktur dar, welche aus der gesellschaftlichen Realität hervorgehen muss, aber auch
eine übergeordnete Funktion einnimmt, gleichsam als Folie über die gesellschaftliche Realität gelegt wird.

Diesen Gedanken versucht das Projekt ‚Verästelung der Klarheit‘ aufzunehmen. Das Penrose-Muster dient dabei als darunter / darüber liegende Folie, als
Ideenträger.

Ein Penrose-Muster ist ein Muster, welches eine Fläche lückenlos parkettieren kann, ohne dass sich dabei ein Grund-schema wiederholt. Solche Strukturen
wurden überraschenderweise bei sehr schnell abgekühlten Aluminium-Mangan-Legierungen wiedergefunden und werden dort quasikristallin genannt. Die
Materie von Quasikristallen nimmt einen Ordnungszustand zwischen amorphem, atomar nur schwach geordnetem Glas und der strengen Ordnung des
klassischen Kristalls ein.
Das Penrose-Muster weist weitere Eigenschaften auf, welche mir im Zusammenhang mit der Organisation von Gesellschaft interessant erscheinen; zwei
einfache Grundformen werden nach bestimmten Regeln zusammengesetzt, Teilbereiche können deckungsgleich sein, aber das gesamte Muster lässt sich
nicht so verschieben, dass es wieder deckungsgleich ist. Das Penrose-Muster weist des weiteren die Eigenschaft der Selbstähnlichkeit auf; in grösseren
Massstäben, d.h. bei Vergrösserung, weist es dieselben oder ähnliche Strukturen auf wie im Anfangszustand.

In der Verlegungsart der Bodenplatten im Eingangsbereich steht eher der undurchschaubar, chaotisch wirkende Aspekt des Penrose-Musters im Vordergrund.
In den Vorhallen der Gerichtssäle wird der Fokus eher auf die klaren Grundregeln des Musters, die fünffache Symmetrie, gelegt.

Im Innenhof wird nun das Muster auf eine narrativere Art und Weise interpretiert; in Form eines Weges, als Ausschnitt aus dem Penrose-Muster, wobei
hier das Muster physisch Gestalt annimmt in Form eines Holzsteges. Zusätzlich kommen drei Aluminiumskulpturen als Fremdkörper hinzu.

Die Aluminiumskulpturen sind in einem Feld von archetypischen Ideen und Vorstellungen des menschlichen Daseins und des Universums angesiedelt und
erzählen von der Geschichte des Menschen, von Instinkten, von Fremd- und Andersartigkeit, von Zufall, von der Vorstellung von Schicksal und Glück.
Und doch stehen auch die Skulpturen durch ihre Materialisation in Aluminium in einem entfernten Zusammenhang mit dem Penrose-Muster.

***

Apéro am Dienstag 23. Juni 2009, 17 - 18:30h, Einführung zu den Projekten um 17:30h, Bezirksgebäude Dietikon, Eingangshalle, Neumattstrasse 11-15, 8953 Dietikon

Ausstellung vom 4. Juni - 3. Juli 2009 im Stadthaus Dietikon, Bremgartnerstr. 22, 8953 Dietikon

"Die Gestalt der Welt hängt ab von der Art und Weise wie sie gesehen wird"

Christine Zufferey, Februar 2008

Licht fällt in hellen Grün- und Blautönen durch die fünf Fenster in den Chorraum der St.Jakobskirche in Sissach ein.
Das Auge schweift über eine reiche Formenwelt, über strukturierte Farbflächen, stellenweise dichter, zum Teil fast kristallin klar
und durchscheinend. Organische Struktur fächert sich hier und dort kaleidoskopartig zu ornamentalen Formen auf. Kaleidoskopartige
„Kristalle“ zeigen sich manchmal erst bei längerem Betrachten, sie betten sich unauffällig in das Bild ein. Stellenweise erinnern sie
an sakrale Formen.
Die fünf Chorfenster wirken reich und doch ruhig in ihrer reduzierten Farbigkeit.
Die Bildausschnitte lassen sich auf Satellitenbilder der Erde zurückführen, bei längerem Betrachten lässt sich die Plastizität der
Topografie heraussehen, stellenweise bleiben es abstrakte, reich strukturierte grüne und blaue Flächen. Die Fenster geben den Blick
frei auf Bilder von Erdteilen, auf Land, Gebirge, Wasser. Manchmal lässt sich die Kultivierung des Landes durch Menschenhand erkennen.

Ein Blick von Innen nach Aussen, der kreisförmig wieder zurückführt.
Ein Ausblick und gleichzeitig ein Einblick.

Dies ist die Erde. Wir sind Teil von ihr.

Projektbeschrieb

Satellitenbilder der Erde, abstrahiert und auf die beiden Farben Grün, Blau und deren Schattierungen reduziert, bilden Grundlage
meiner Entwürfe für die Chorfenster der St.Jakobskirche in Sissach. Die Bilder liegen „hinter“ den Fenstern, Ausschnitte eines
(imaginären) grösseren Ganzen sind durch die Fenster hindurch sichtbar. Stellenweise sind die Satellitenbilder kaleidoskopartig
aufgefächert, so, als ob man die Erde durch ein Kaleidoskop betrachten würde. Manchmal scheint es fast so, als ob die Kirchenfenster
selber, durch die Optik des Glases, diese kaleidoskopartigen Auffächerungen verursachen würden. Die einzelnen Fenster zeigen,
zusätzlich zum Skelett der gotischen Fenster und der Windeisen, eine unauffällige Rasterung, ähnlich Längsgraden, auf.

Die Farbigkeit der Fenster korrespondiert und harmoniert mit der Farbigkeit der umliegenden Landschaft, dem Grün der Sissacher
Hügel und dem Blau des Himmels. Die Erde ist das uns Alle Verbindende, auf der Erde begegnen wir uns, auf der Erde findet unser Leben
statt. Sie ist das Vereinende zwischen Menschen unterschiedlichster Herkunft, unterschiedlicher Religionen.
Satellitenbilder der Erde bieten einen leicht verständlichen Zugang; man braucht kein spezifisches Wissen, um diese Bilder zu „verstehen“.
Es sind in gewissem Sinne objektive, nicht-religiöse Bilder. Und doch beinhalten sowohl die Satellitenbilder der Erde wie auch die
kaleidoskopartigen Vervielfältigungen etwas Spirituelles.
Dieser Blick auf die Erde ist ein Abstrakter, er scheint eher eine Idee der Welt denn die Welt selber wiederzugeben; nie sehen wir die
Erde auf diese Weise mit eigenen Augen, und doch sind uns diese Bilder seltsam vertraut.
Der Prozess des Fragmentierens, das Auflösen in Einzelteile und das Zusammenfügen zu einem neuen Ganzen, scheint mir ein sehr
zeitgenössischer Prozess zu sein. Gleichzeitig sehe ich in den kaleidoskopartigen Fragmenten und Formen eine Referenz zu gotischen
Fenstern, welche z.T. selber wie grosse Kaleidoskope wirken. Auch in der Formenwelt der gotischen Architektur und insbesondere der
Zuschnitte der Fenster lässt sich das Multiplizieren von schon vorhandenen Formen wiederentdecken.


Hintergrund

Während der Beschäftigung mit bestehenden, historischen Kirchenfenstern auf formaler und inhaltlicher Ebene schien mir klar,
dass ein zeitgenössischer Entwurf für Kirchenfenster unsere heutige Zeit, die heutige „Realität“, in irgendeiner Form reflektieren
muss. Gleichzeitig war mir klar, dass neue Glasfenster in Einklang mit der historischen Substanz der St.Jakobskirche stehen
müssen. Bevor ich überhaupt eine Bildidee zu entwickeln begann, habe ich das Glasstudio Derix in Deutschland besucht, um mich
mit den Möglichkeiten der Glasbearbeitung vertraut zu machen. Am meisen fasziniert war ich von den ältesten Techniken, welche
ausser dem eingefärbten Glas nur mit Schwarzlot (Schwarz) und Silberfarbe (Gelb) arbeiten. Auf diesem bei Derix erworbenen
technischen Hintergrundwissen aufbauend habe ich meine Bildidee entwickelt, wobei inhaltlich folgende Überlegungen eine Rolle
spielten;
Prägend für unsere Zeit scheint mir das „Globale“; Internet / digitale Technologien, Verfügbarkeit und Sichtbarkeit jedes Teils
der Erde mittels Google-Earth zu jedem Zeitpunkt und von jedem Ort aus, Mobilfunk, GPS. Die Wissenschaft dringt in immer
unsichtbarere Bereich vor, visualisiert Dinge, welche von blossem Auge nicht sichtbar sind, nicht selten sind es Modelle der
Realität, die visualisiert werden, resultierend in abstrakten, vermeintlich die Realität wiedergebenden Bildern.

So bin ich zurück zu genuinen Fragen der Kunst gelangt; was ist sichtbar, was kann sichtbar gemacht werden, warum möchten
wir Dinge sichtbar machen, uns „ein Bild“ machen, und was ist letztlich der Gewinn des Sichtbarmachens, wo können uns Bilder
hinführen, welche Funktion können Bilder haben. Fragen der Kunst, welche im Zusammenhang mit dem reformierten Glauben eine
besondere Brisanz haben.
Bilder können meiner Meinung nach - im besten Falle - Gedankenprozesse in Gang bringen und in Gang halten. Sie können als
Motor und Katalysator dienen, über Etwas nachzudenken, sich Gedanken zu machen, vielleicht gedanklich neue Wege zu gehen.
Sie können Impulse geben, anders zu sehen und somit anders und vielleicht neu zu denken. Ein visuell-geistiger Kreislauf, der
nie zu einem Ende kommt.
Ich habe versucht, mit meinen Entwürfen eine Qualität von Bildern zu erreichen, welche diesen Bedürfnissen gerecht wird;
der Blick soll schweifen können, nicht festgehalten werden, und doch soll eine gewisse Bildinformation auf inhaltlicher und formaler
Ebene inspirierend wirken, Impulse geben, vielschichtig interpretierbar sein. Die Bilder sollen weder zu eindeutig in Richtung Satelliten-
bilder, Blick auf die Erde, noch zu sehr in Richtung Abstraktion / Ornament interpretierbar sein. KirchenbesucherInnen sollen ermuntert
werden, einen anderen, neuen Blick auf sich selber zu werfen, „ins Nachdenken über sich selber genommen werden“. Ein Blick auf
die Welt vom Chorraum aus, ein Zurücktreten in reflexiver Distanz, und doch als Teil dieser Welt. Die Fenster versuchen den Raum
so zu gestalten, dass eine meditative, ruhige und doch anregende Atmosphäre entsteht. Sie sollen auf inhaltlicher wie auf formaler
Ebene zurückhaltend und inspirierend wirken.
Mein Wunsch ist, dass meine Entwürfe eine zeitgenössische Dimension in die Kirche hinein zu holen vermögen (auch auf der Ebene
der Entwicklung und des Standes zeitgenössischer Kunst), Impulse zu geben und Fragen aufzuwerfen vermögen, sich gleichzeitig
aber auch in die historische Substanz der Architektur eingliedern und - in alter Technik umgesetzt - mit dem Bestehenden in Einklang
stehen. Die Fenster sollen ein Dokument unserer heutigen Zeit sein, aber in gewisser Weise auch unabhängig der Zeit Gültigkeit haben,
zeitlos sein.


Technische Umsetzung

Die Fenster werden rein mittels eingefärbtem Glas und Schwarzlot (und ev. Silbergelb) umgesetzt und rein in den Farben Blau und
Grün und deren Schattierungen gehalten. Eingefärbtes Glas, Schwarzlot und Silbergelb gehören zu den ursprünglichsten Glasbearbeitungs-
techniken und wurden schon im Mittelalter für das Gestalten von Kirchenfenstern angewendet. Die zeitgenössische Thematik / Bildidee der
Satellitenbilder soll so, mittels alter Technik umgesetzt, den unterschiedlichen Bedürfnissen des Ortes gerecht werden.

Auf ein hellblaues Echt-Antikglas wird ein grüner Überfang aufgebracht (eine zweite, andersfarbige Glasschicht, welche beim Blasen des
hellblauen Glases in einem zweiten Schritt aufgebracht wird), wobei ein intensives, warmes Grün entsteht. Anschliessend wird diese
grüne Glasschicht stellenweise wieder weggeätzt, wobei ein feines Relief entsteht und das darunter liegende hellblaue Glas wieder zum
Vorschein kommt. Dies bildet den schlichten, grün-blauen Grund für die eigentliche, detaillierte Bildinformation, den schwarzen Siebdruck.
Schwarzlot (Schwarz) wird im Siebdruckverfahren auf das Glas aufgetragen, wobei durch die verschiedenen Grautöne Schattierungen
der Farben Grün und Blau entstehen. Grundlage des Siebdruckes bilden Graustufenbilder, ursprünglich Satellitenaufnahmen der Erde,
abstrahiert und teilweise kaleidoskopartig aufgefächert. Der Siebdruck, über den grünen und blauen Zonen aufgebracht, moduliert das
eigentliche Bild.

(technische Beratung: Glasstudio Derix, Taunusstein, Deutschland.)

HELMHAUS ZÜRICH
29. September - 19. November 2006

CHANTAL HOEFS & CHRISTINE SCHÜTZ
BESSIE NAGER
CHRISTINE ZUFFEREY



Das Helmhaus Zürich zeigt neue, eigens für diese Ausstellung entstandene Arbeiten
von Chantal Hoefs & Christine Schütz, Bessie Nager und Christine Zufferey. Die
raumgreifende, installative Ausstellung dreht sich um Geborgenheit und Entgrenzung,
Reizüberflutung und Orientierung, um Menschen und Tiere, um grosse und kleine
Gesten.

Einen Titel hat die Ausstellung mit Arbeiten von Chantal Hoefs & Christine Schütz (*1974
und *1972), von Bessie Nager (*1962) und von Christine Zufferey (*1970) nicht. Was die
foto-malerischen Montagen, die Skulptur und die Videos von Bessie Nager, was die
Tableaux vivants, die Videos, Skulpturen, das Environment von Chantal Hoefs & Christine
Schütz, was die Zeichnung, die bühnenhafte Installation mit Skulptur und Wandtapete von
Christine Zufferey - was dies alles zusammenhält, sind gemeinsame Intentionen, verwandte
Entstehungsprozesse, ähnliche Motivwelten.

Die Arbeit der vier Künstlerinnen, die alle in Zürich leben, gründet auf einer Re-Interpretation
von gesellschaftlichen und privaten, kollektiven und individuellen, öffentlichen und privaten
Wahrnehmungen. Sie gründet auf einer Position des Beobachtens, die zugleich extern und
intern ist - die Künstlerinnen bilden sich einen Ort der Verarbeitung, vielleicht könnte man
sogar von einem Hort der Verarbeitung sprechen, und bleiben mit ihrer Arbeit gleichwohl
involviert, sie halten den Kontakt zu Realitäten, deren Bedeutungsreichtum sie durchforsten:
eine zunehmend beschleunigte Welt, deren Teile sich gleichzeitig näher kommen, wie sie
sich voneinander entfernen. Diese Widersprüche zwischen Schnell und Langsam, Nah und
Fern, Alt und Neu kollabieren in einer Wahrnehmungswirrnis - Ordnung, Orientierung, neue,
verbindliche Geschichten, an denen man sich halten könnte, wären gefragt.
Orientierungshilfen auf dieser unwägbaren, unberechenbaren Route durch die Wirrnis
können nur Konjunktiv und Instinkt, Versuch und Spürnase sein, und was schliesslich im
Ausstellungsraum zu stehen kommt, sind Möglichkeitsformen, deren tastende, prozesshafte
Entstehungsgeschichte den Arbeiten eingeschrieben ist, die aber doch über eine
entschiedene Verbindlichkeit verfügen, an die man sich halten kann.

Die Arbeiten der vier Künstlerinnen - vielleicht ist es kein Zufall, dass sie von Frauen
stammen - sprechen nicht von Gewissheiten, die Setzungen sind nicht unverrückbar. Und
doch sind sie selbstbewusst, ausgearbeitet, in einem Stadium, das ein Publikum integrierend
aufnimmt. Die Pfade, die Fäden und Fährten sind ebenso überlegt wie intuitiv aus- und
angelegt, in ihrer erzählerischen, verführerischen, ja märchenhaften Struktur entführen sie in
ihre eigenen Welten. Der Ausstellungsraum wird exemplarisch zum installativen Instrument
einer Auseinandersetzung, zur Parallelwelt, zum Gegenentwurf. Was draussen ist, bleibt
präsent und hat doch Tendenz zu entgleiten, wird transponiert in eine Eigenwelt, in die man
mehr und mehr eintaucht. Und kommt man raus, ist manches anders, ist die Wahrnehmung
verschoben - oder endlich wieder zurechtgerückt?

***

Ein Gespräch mit den Künstlerinnen, Führungen mit Isabel Zürcher und eine musikalische
Begegnung mit dem Raum - mit den Musikern Szuhwa Wu (Violine), Thomas Peter (Live-
Elektronik), Raphael Camenisch (Saxophon; Konzept) und Damian Zangger (Trompete;
Konzept, Komposition) - begleiten die Ausstellung.

Simon Maurer
Leitung Helmhaus Zürich und Kurator der Ausstellung

***

Eröffnung am Donnerstag, 28. September 2006, 18 Uhr
19 Uhr: Begrüssung und Information zur Ausstellung: Simon Maurer, Leitung Helmhaus Zürich

Künstlerinnengespräch am Donnerstag 2. November 2006, 18:30 Uhr
mit Chantal Hoefs & Christine Schütz, Bessie Nager, Christine Zufferey
Moderation Simon Maurer und Isabel Zürcher

Musikalische Begegnungen mit dem Raum am Samstag, 4. November 2006, 20:30 Uhr
mit Szuhwa Wu, Thomas Peter, Raphael Camenisch und Damian Zangger

Helmhaus Zürich
Limmatquai 31
8001 Zürich
Tel: +44 251 61 77
http://www.helmhaus.org

Di - So 10 - 18 Uhr
Do 10 - 20 Uhr
Mo geschlossen

 Christine Zufferey and guests:
 Beat Brogle
 Max Philipp Schmid
 Knut & Silvy

In den insgesamt etwa 1200 qm Ausstellungsfläche des Kunsthaus Baselland werden vier neue Arbeiten der Künstlerin Christine Zufferey und eine grossflächige Videoinstallation der beiden Künstler Beat Brogle und Max Philipp Schmid vorgestellt. Die Musikband Knut & Silvy wird im Rahmen dieser Ausstellung ein experimentelles Konzert geben, welches sich explizit auf die Ausstellung bezieht.
Ursprünglich vom Kunsthaus Baselland angefragt, eine Einzelausstellung zu konzipieren, hat Christine Zufferey ihre persönliche Vernetzung innerhalb der Basler Kunst- und Musikszene zum Ausgangspunkt für ein gemeinschaftliches, spartenübergreifendes Ausstellungsprojekt genommen. Sie hat die beiden Künstler Beat Brogle und Max Philipp Schmid und die Schweizer Musikband Knut & Silvy eingeladen, an der Ausstellung teilzunehmen. Der Musikgruppe Knut & Silvy kommt innerhalb des Projektes in gewisser Weise die Funktion eines Bindeglieds zu.

Die Arbeit von Christine Zufferey ist geprägt von der Auseinandersetzung mit stimmungsgeladenen assoziationsreichen Inszenierungen, welche oftmals auf den ersten Blick fremdartig und irritierend wirken und sich doch auf eigenartige Weise selbstverständlich in die Umgebung einbetten. Dabei werden verschiedenartigste Medien auf untypische Weise miteinander kombiniert und fügen sich zu bühnenbildartigen, kulissenhaften Installationen. Ein zentrales Thema in ihrer Arbeit ist die individuelle, subjektive Wahrnehmung der Welt. Versucht wird, das Spektrum der aus dieser Begegnung resultierenden möglichen Haltungen und Emotionen - von der Euphorie, der Vision, der überrissenen Behauptung bis hin zur Gelassenheit, der distanzierten Betrachtung, der Melancholie, der Ambivalenz und Verunsicherung - zu fassen.
Die Musikband Knut & Silvy hat - auf einer Stimmungsebene - mit ihren "Soundlandschaften" Christine Zufferey oftmals bei der Entwicklung einzelner Installationen inspiriert. Christine Zufferey hat die Band über die letzten Jahre fotografisch begleitet, wobei eine Serie eigenwilliger Pressefotos entstanden ist.

Parallel hat sich seit Jahren eine fundierte Zusammenarbeit zwischen den beiden (Video-)Künstlern Beat Brogle und Max Philipp Schmid und der Band Knut & Silvy entwickelt. International viel beachtete Videoclips zu einzelnen Songs sind in Gemeinschaftsarbeit der beiden Künstler Brogle/Schmid entstanden. Bei Konzerten von Knut & Silvy mischen die beiden Künstler Videomaterial live in Form von "Visuals". Beide Videokünstler haben auch unabhängig voneinander Projekte mit Knut Jensen und Silvia Buonvicini (Knut & Silvy) realisiert.
Die Musikband Knut & Silvy pflegt seit ihrem Bestehen eine enge Verbindung zur Kunst-, Theater- und Filmszene und versteht diese spartenübergreifenden Verbindungen als reiche Inspirationsquelle und wichtigen Aspekt bei der Entwicklung ihrer Musik.

Durch diese verschiedenen Formen der Zusammenarbeit hat sich so ein Netz gebildet, welches von allen drei Seiten über die Sparten hinaus zu einem wichtigen Faktor in der Entwicklung der einzelnen Arbeiten geworden ist. Mit dem aktuellen Ausstellungsprojekt "view over 6 continents" soll dieses Netz weiter erforscht, ausgelotet, präzisiert und nach aussen sichtbar gemacht werden.

Das Konzert von Knut & Silvy in der Ausstellung (am 15. November 2003 um 21h) erforscht auf ungewöhnliche Weise direkte und indirekte Bezüge zwischen den einzelnen KünstlerInnen, ihren Arbeiten und der Musik: Das Konzert wird erst über die Übertragung mittels Radiowellen (ohne direkten Verstärker), d.h. nur über die von den AusstellungsbesucherInnen benutzten portablen Radios hörbar. Der Basler Lokalsender "Radio X" überträgt das Konzert auf 94,5 MHz. Die AusstellungsbesucherInnen können sich mit den Radios unabhängig in der Ausstellung bewegen und die einzelnen Installationen mit der Musik und untereinander in Verbindung bringen. Dabei werden Zusammenhänge und Formen der gegenseitigen Inspiration erkennbar und unmittelbar erlebbar.

view over 6 continents
Christine Zufferey and guests:
Beat Brogle
Max Philipp Schmid
Knut & Silvy

12. Oktober – 16. November 2003
«view over 6 continents, Christine Zufferey and guests» im Kunsthaus Baselland

Mittwoch, 12. November 2003, 18 H
Beat Brogle, Max Philipp Schmid, Stella Händler, Knut & Silvy, Christine Zufferey im Gespräch mit Daniel Baumann, Kunsthistoriker und freier Kurator und Albert Kuhn, freischaffender Journalist und Popkolumnist

Samstag, 15. November 2003, 21 H
Live-Radio / Knut & Silvy*
* Bringen Sie Ihr portables Radio mit
Zu diesem Anlass wird der Ausstellungskatalog präsentiert.
Der Katalog erscheint im Schwabe Verlag.

Kunsthaus Baselland
St. Jakob-Str. 170
CH-4132 Muttenz / Basel
T: +41 61 312 83 88
Öffnungszeiten: Di, Do-So 11-17h; Mi 14-20h. Mo geschlossen

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